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美术的读书笔记
认真读完一本著作后，大家心中一定有很多感想，现在就让我们写一篇走心的读书笔记吧。到底应如何写读书笔记呢？以下是小编帮大家整理的美术的读书笔记，希望对大家有所帮助。
美术的读书笔记1
平时利用空余时间翻阅了<<中国美术史>>这本书。刚开始，接触这本书时，看着厚厚的一本我还担心没有信心看完它，但当我真正翻阅的时候，才发现这本书真的很精彩，不仅可以了解中国的美术，还把我国的历史也研究了。
美术包括:建筑，雕塑，绘画，工艺美术.可是在中国美术史上还包括了书法和篆刻两大类.光绘画这一个门类就经历了从石器时代---汉代的壁画---汉唐的宫殿壁画(由于时代的久远，很多没有保存下来，留下来的只是墓室壁画和一些画像石，画像砖)，还有很多宗教美术保存在石窟中，到了唐末又出现了很多屏风画和卷轴画。
我国是从旧石器时代漫漫演化过来的，光是从旧石器时代到新时代就经历了上万年的历史，在石器时代我国就出现很多“美”的事物，当时的磨制石器和陶器上的花纹更是当时人民艺术的结晶.其中彩陶和黑陶标志着古代美术创造的第一次高峰。
宋是我国陶瓷发展的高峰时期.当时以青瓷和白瓷为主，但也发展了彩绘以及产生窑变的彩釉陶。著名的五大名窑是:官窑、哥窑、定窑、钧窑和汝窑。其中汝窑以青瓷为主，釉色有粉青、豆青、卵青、虾青等，汝窑瓷胎体较薄，釉层较厚，有玉石般的质感，釉面有很细的开片。汝窑瓷采用支钉支烧法，瓷器底部留下细小的支钉痕迹。器形多仿造古代青铜器式样，以洗、炉、尊、盘等为主。汝窑传世作品不足百件，因此非常珍贵。官窑是宋徽宗政和年间在京师汴梁建造的，窑址至今没有发现。官窑主要烧制青瓷，大观年间，釉色以月色、粉青、大绿三种颜色最为流行.官瓷胎体较厚，天青色釉略带粉红颜色，釉面开大纹片。这是因胎、釉受热后膨胀系数不同产生的效果。瓷器足部无釉，烧成后是铁黑色，口部釉薄，微显胎骨，即通常所说的"紫口铁足"。
定窑为宋代"五大名窑"之一，为民窑。始建于唐，兴盛于北宋，终于元代，烧造时间近七百余年.窑址分布于河北曲阳县磁涧、燕川以及灵山诸村镇，这里唐代属定州，故称为定窑.定窑以烧白瓷为主，瓷质细腻，质薄有光，釉色润泽如玉。黑釉、酱釉称为"黑定"、"紫定"，也别具特色，制作精湛，造型典雅.花纹千姿百态，有用刀刻成的划花，用针剔成的`绣花，特技制成的"竹丝刷纹"，"泪痕纹"等等.出土的定窑瓷片中，发现刻有"官"、"尚食局"等字样，这说明定窑的一部分产品是为官府和宫廷烧造的.。钧窑分为官钧窑、民钧窑.官钧窑是宋徽宗年间继汝窑之后建立的第二座官窑。
钧窑广泛分布于河南禹县(时称钧州)，故名钧窑，以县城内的八卦洞窑和钧台窑最有名，烧制各种皇室用瓷.。钧瓷两次烧成，第一次素烧，出窑后施釉彩，二次再烧.钧瓷的釉色为一绝，千变万化，红、蓝、青、白、紫交相融汇，灿若云霞，宋代诗人曾以"夕阳紫 翠忽成岚"赞美之.这是因为在烧制过程中，配料掺入铜的气化物造成的艺术效果，此为中国制瓷史上的一大发明，称为"窑变".哥窑是宋代南方五大名窑之一，确切窑场至今尚没有发现.据历史传说为章生一、章生二兄弟在两浙路处州、龙泉县各建一窑，哥哥建的窑称为"哥窑"，弟弟建的窑称为"弟窑"，也称章窑、龙泉窑。有的专家认为传世的宫藏哥窑瓷，实际上是南宋时修内司官窑烧制的。哥窑的主要特征是釉面有大大小小不规则的开裂纹片，俗称"开片"或"文武 片"。细小如鱼子的叫"鱼子纹"，开片呈弧形的叫"蟹爪纹"，开片大小相同的叫“百圾碎”。
到了元明清时期，我国的制瓷中心转入了江西景德镇.成功创制了色釉瓷器和彩绘瓷.这为我国的瓷器事业打开了另一座宫殿，其中有元朝的<<青花萧何月下追韩信梅瓶>>，明代的<<斗彩鸡缸杯>>和清朝的<<各色五彩大瓶>>，他们不仅造型新巧，胎骨精细，图案华丽，色彩缤纷，而且达到了历史最高水平。
陶塑是在同一时期发展起来的，而且技术水平也相当高超.按材质分:陶塑，石塑和泥塑.其中最著名的就是汉代的俑类雕塑，样式趋于多样化.如:<<杂技俑盘>>表现了一组形式各态的表演者，活灵活现，好象真的有那么多乐师在表演特别是<<说唱俑>>更始把表演者生动化了，夸张的表情令人着迷.还有唐朝的随葬俑类，主要是哪个时期实行陪葬政策，所以当时的这类俑很多也很细致精美。其中唐三彩更是文明全世界。如:<<猎骑胡俑>>。
读了中国美术史瓷器和陶器篇，不仅被那些历史所迷住，更被那些艺术品和人们丰富的想象力所震撼。
美术的读书笔记2
我阅读的是《美术》这本书，在这本书中有许多有关美术教学的文章，通过学习让我受益匪浅，在这本书中我对有关欣赏课教学的文章进行了重点的阅读，通过阅读，使我深刻感受到了美术欣赏教育的重要性和学习到了许多教学的一些方法。美术欣赏教育不仅可以促进孩子良好艺术素养的形成。而且对其他方面的发展也有积极的作用，比如有利于开阔孩子的视野，发展孩子的想象力和创造力。有利于培养孩子语言表达能力，有利于培养孩子积极的情感态度。
书中说，美术欣赏课不只是向学生传授美术知识技能，更重要的是培养学生对美术的兴趣、审美趣味、创新能力和个性品质。教师在教学的过程中，不仅要让学生获得丰富的情感体验，更重要的是注重培养对事物的好奇心探究欲和创造力，回想起以前上过的欣赏课，不正是缺少对美术欣赏课的重视和单一的教学方法才使欣赏课变得索然无味。
根据书中的教学理论方法，在本学期，我设计了《奇特的视觉图形》欣赏课，书中说到，没有足够的准备工作，往往很难上好欣赏课，仅仅依靠教师在课堂上的讲解、灌输，学生无法完全集中注意力，教学效果，学生的吸收率都将是很低的。于是在本节课中，课前我引导学生收集与本节课内容相关的资料，为学生制作精美的课件，让学生有备而“赏”，通过收集资料缩短学生与欣赏内容的距离，产生欣赏的直接兴趣。课堂教学一开始让学生观看课件，把学生的兴趣引导到身边丰富的形形色色的世界中，引导学生观察画面，从画面中的色彩、造型中细细的体味，学生兴趣浓厚。
书中说，欣赏与动手相结合，教师应该充分调动学生的眼、脑、手立体化，全方位的揣摩、体验作品，它能够丰富学生的审美经验，增强学生对美术欣赏的全方位的体验。促进学生的心灵与作品产生共鸣融合。
在本节课中，我采用小组合作的.形式，对于欣赏中出现的问题，引导学生进行评议，调动学生积极动脑思考，发挥学生的自主性，同时让学生动手用图形卡片拼一拼的环节，来进一步感受色彩和造型。
只有运用灵活多变的教学方法，使学生不断地调动其相应的感觉经验，情绪记忆，并使他们的感觉、想象、情绪相互协调发展，才能表现出对美的主动追求，发现和创造。在本节课中通过看、说、拼、论等环节，让本节欣赏课生动起来，并且收到了良好的效果。通过读书也让我认识到了只有不断学习，不断进取，不断吸收新信息，取长补短，充实自己，才能不断的提高自己。
美术的读书笔记3
最近读了《中国教师最需要的新理念》这本书，书中谈到了“教育要强调个性，健全人格”，并且理论联系案例深入浅出的进行了探讨，作为一名美术教师，我深有感触。
英国教育家斯宾塞曾说：“教育的目的是培养人的个性。”伟大的德国诗人歌德也曾说“一棵树上很难找到形状完全一样的叶子，一千个人中也很难找到两个在情感上完全协调的人。”这说明个性是一种客观存在，是一种价值，世界的丰富多彩、人类的千姿百态也正源于此。
学生在美术活动中比在其他教育活动中能更大程度地张扬和展现自己的个性。因为美术课程是一种综合性、活动性强且活动结果无对错之分的课程。在这种以美的熏陶为主的活动中，学生的个性得以全面自然地释放；性格、气质、情感得以自然流露；手、眼、脑得以协调开展，沟通了其物质层面与观念层面的关系，促进了个性的内化和健康开展，同时提高了学生的能力、智力、人生观和情感价值观等综合素质。
因此，在美术课堂中引导学生形成社会共同价值观的同时，也应努力尊重、保持和开展学生的个性。要培养学生独特的个性，就是要使学生的个性得到自由的开展，增强他们的主体意识，形成开拓精神、创造才能，提高其个人价值。因此，我们的教育就要具有个性化，就要在教育过程中重视受教育者的需要、兴趣、创造和自由，尊重人的尊严、人的潜能。在教学中通过情感的渗透、传达和激发学生的创造力，来实现学生的个性开展，促进人的个性自主和谐开展。
教师是创设情境的主导者和调控者，通过各种方式、手段，有意设置一定的情境气氛，让学生产生激情，主动参与，释放激情，在这一过程中，激发学生的个性化探究欲望、创造欲望，从而促进学生的个性形成。
教师要灵活地掌握课程的内容，可根据学生的具体情况，从学生的生活、兴趣出发，选择一些具有时代气息的知识内容，深入浅出，激发学生的学习兴趣，使学生主动参与，施展自我的个性魅力。
开拓思维、综合的运用多种材质，充分发挥学生的.自由表现力，促进个性的形成。采用集体合作的方式，加强相互间的交流，增强体验，培养团结协作精神，张显其个性。鼓励想象，求异创新，画画要画出个性。
从美学的角度来说，风格，是指美术作品显示出的一种风格和气派。艺术风格，是艺术作品整体上呈现出来的独特面貌。它和人的风度一样，不仅具有独特的外形特点，而且还显示出内在的精神气质。艺术作品显示的是艺术家的个性，是个人风格，所以，个人风格就是艺术家在作品中呈现出的有别他人的独特个性。独特性，又是艺术家的鲜明个性的显现，也是艺术家创造精神的表现。这种独特性是艺术家观察事物的一种独特视角和艺术表现的独特技巧在长时间的艺术创作活动中所形成的。
中国书法里的“颜筋柳骨”，就是说唐代书法家颜真卿、柳公权两个人楷书不同的个欣赏中，常以“雄伟、秀丽、豪放、典雅、古拙、飘逸、沉着、奇险、质朴、空灵、浓艳、淡雅、苍老、稚拙、缜密、疏野、高古清新、率真、自然、平淡等词语来欣赏、评价不同的个人风格”。所以，我们要在长时间的教学实践当中，不断的培养学生的个性。尤其是在创作的过程中，要引导学生画出个性来。
我们通过以上的教学活动，一定会使学生在长期的学习过程中，对美术产生浓厚的兴趣。在实际生活中领悟美术的独特价值，明确一个良好的学习流程，即：构思──选择制作材料──学习、运用不同的创作形式、技法、进行大胆、自由表现──个性化风格形成。这样，学生能够找到适合展示自我独特个性的艺术语言，培养学生对于审美的个性情感，最终成为一个具有独特艺术个性、独特审美修养的人。
美术的读书笔记4
每次不管是参与组的活动还是开展本班的美术活动，都深感自己美术专业理论的不足，对所教不同年级年龄阶段的儿童美术发展水平了解不够。特别是应该如何评价孩子的作品，本年龄段的孩子他们的画应该呈现一个什么样的状态一直是我想努力学习了解的方向。《少儿美术》就成了我时常查阅的参考书籍。
今天看了李力加老师点评“全国第四届少儿美术杯年度展评”获奖作品一文中的幼儿作品和老师的评语感受颇深。其中作品《大扫除》是一个四岁小朋友的画：一个小朋友拿着一个扫帚，占了画面的一角，一个穿着斜纹色彩衣服、披散着头发的女孩占了画面的一大半，其中最枪眼的就是那一根根披散着、四处散开的头发。李力加老师的点评是：小朋友依据自己的认知，在作品中画出了自己的感受。其中，对于头发的表现尤为精彩，披散下来的头发，是她的一种心理感觉，这是建立在个人视觉体验基础上的表达。
儿童时期的象征表现，并不是对物象形态的完全描摹，而是大胆画出个人心中的感觉。看似不合理的头发形态，几乎夸张的占据了画面的三分之一面积，人物整体形态反而显得很小。这是儿童有自由性的表达向主动性的'表现过渡之中必须要经历的过程，也是美术教师需要特别关注的儿童美术学习时期。
我想，我们为孩子们设计和组织美术活动时，首先要对自己班上孩子们的这个年龄阶段的美术表现能力和表现特征有个很充足的了解，能正确评价孩子的作品，还要善于从孩子们的作品中去发现孩子们心底的一些想法和秘密。相信坚持组织好每个美术活动，孩子们表现出来的东西才会真正是他们自己的，是让我们惊叹的，更是会让所有的人都能被打动的!
美术的读书笔记5
一、 达;芬奇(意大利画家)
1、他的抱负是发现一切、研究一切、创造一切。
2、达芬奇独特的艺术语言是运用明暗法创造平面形象的立体感。
3、他曾说过：“绘画的最大奇迹，就是使平的画面呈现凹凸感。”
4、他使用圆球体受光变化的原理，首创明暗转移法(也称明暗渐近法)，即在形象上由明到暗的过渡是连续的，像烟雾一般，没有截然的分界。《蒙娜丽莎》是这种画法的典范之作。
很奇怪，达;芬奇画中的女人长得都很相似。
二、 毕加索(西班牙画家)
1、毕加索考取了马德里费尔南多皇家美术学院。但他更喜欢的是在美术馆和街头吸取艺术营养。
2、9岁的毕加索来到巴黎，由于贫穷总生活在社会底层，这时他画了一些穷困潦倒的友人题材的油画，画面充满着一层阴冷的蓝色调。这便是他的“蓝色时期”。
3、1904年4月定居巴黎贫民区，过着自由浪漫的生活，这时画了许多流浪艺人生活题材的画，色调出现温暖的粉红色。这便是他的“粉红色时期”。
4、尔后受到塞尚艺术的影响，在塞尚的基础上对绘画结构进行探讨研究，作品显示出几何化倾向，开始将形象分解为各个平面，并重新予以组合，于1907年创造出划时代的作品《阿维尼翁少女》。从此他进入分析立体主义研究和创作时期。不久他又采用拼贴技巧创作，标志着他的分析立体主义的结束，逐渐走向“综合立体主义”。
5、32岁以后的毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用，它们又使人想起塞尚。从此以后毕加索进入一个又一个不安分的探索时期，他的作品和他的生活一样没有丝毫的统一、连续和稳定。
6、他没有固定的主意，而且花样繁多、激昂或狂躁，可亲可憎，诚挚或装假，让人喜欢又招人讨厌，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。
7、世界上从来没有一位画家能像毕加索一样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力，他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。他在艺术历程上没有规律可循，他从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。从具象到抽象，来来去去，他反对一切束缚和宇宙间所有神圣的`看法，只有绝对自由才适合他。
三、 保罗;塞尚(法国画家)
1、塞尚16岁入埃克斯中学结识了后来成为大作家的左拉，3年后升入大学法律系，他坚持要学艺术而赴巴黎入苏伊塞学院学画与毕加罗交往。
2、他是南方省份的人，装束简陋，外表难看，满嘴难听的土话，人们认为他没有学画的天才，因此始终未能考上巴黎高等美术学校。
3、他23岁时又重返巴黎苏伊塞学校，在以后的3年里几乎年年送画到官方沙龙，但年年落选。后来在毕沙罗的劝说下参加了1874年第一届印象派画展，他却遭到了比其他印象派画家更多的嘲笑与攻击，说他是个走错路的画家，是一个村愚、低能儿、一只用蠢驴的尾巴作画的人，这一次的失败又使他回到故乡埃克斯。
塞尚有一幅画，名字叫《大浴女》，我记得铁凝有一部小说也叫这个名字。
另有一幅画，名字叫《那不勒斯的下午》。一对赤身男女斜卧在床上，均是背影。女人金发披肩，男人黑发。女人将脸触在男人肩上，左手轻扶着男人的脸。正在这时，一个黑人侍者手托茶点掀帘而入。
塞尚被尊为现代绘画之父。首次将静物看作有生命的生灵。
四、 米开朗基罗(意大利)
1、米，意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家和建筑师，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。
2、他创造的人物雕像雄伟健壮、气魄宏大，充满了无穷的力量。他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。
3、他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。
4、米开朗基罗的艺术不同于达芬奇的充满科学的精神和哲理的思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。
5、在罗伦佐的官邸里，设有一个“柏拉图学院”，学者们聚在一起研究学问，他们在罗伦佐的支持下创立了一种新的思想体系——人文主义。就是要把世界归还给人，把人归还给他自己。把人的艺术、文学和科学，还有作为个体的独立的思想和感情归还给人，人绝不能像奴隶一样被绑缚在教条之上，在锁链中死亡腐朽。
6、米开朗基罗还经常去听宗教改革家、修道士萨伏那罗拉揭露教会黑暗的演说，这位为了拯救人类命运而不怕宗教法庭审判的修道士给他留下了不可磨灭的烙印。
7、罗马到处林立古代雕像，犹如走进巨大的古代艺术宝库。23岁的米开朗基罗受法国红衣主教委托，为圣彼得教堂制作《哀悼基督》雕像。这件雕像的问世，使米开朗基罗名盖罗马，自多纳太罗之后又一颗雕刻巨星升起。
8、26岁的米开朗基罗载誉回到故乡佛罗伦萨，便立即从事《大卫》云石雕像的制作，三年后完成，安放在韦吉奥宫正门前，作为佛罗伦萨守护神和民主政府的象征。
9、1505年应教皇朱理二世邀请，米开朗基罗赴罗马为教皇在圣彼得教堂内建造陵墓。雕刻家历经艰辛磨难为陵墓留下名雕《摩西》和奴隶等雕像。但他的成就，使教皇的艺术总监勃拉曼极为忌妒，他唆使教皇暂不修陵墓，强求雕刻家去画西斯廷教堂天顶壁画，米开朗基罗以超凡的智慧和毅力完成了世界上最大的壁画《创世纪》。41岁的大师重又回到佛罗伦萨，出生美弟奇家族的教皇利奥十世又强迫米开朗基罗为其祖宗圣罗伦佐陵墓制作雕像，著名的《日》、《夜》、《晨》、《暮》雕像就是安放在这座陵墓的石棺上。
10、已经61岁的雕刻家又被教皇召到罗马，在25年前完成的《创世纪》天顶画下的祭坛壁面上绘制《末日的审判》。
11、米开朗基罗慷慨大度，他分赠掉了自己的大部分作品。他说过：“不管我多么有钱，我的生活始终过的如同贫人一样。”他从来不想那一切构成一个庸人生活涵义的东西。
12、在他塑造的人物形象中，没有一个被他遗忘掉。他说，不经预先回忆一下，他是否已经用过这个形象，他是绝对不会动手勾画草图的。因此，在他的笔下，从不见重复。
美术的读书笔记6
17—18世纪的欧洲美术是美术史发展的一个重要阶段。这是一个承前启后的阶段，它上承文艺复兴，下启欧洲的19世纪。17世纪的巴洛克艺术影响了后来的罗可可艺术，影响了19世纪的浪漫主义、印象主义以至20世纪的野兽派和表现派 ;17世纪的学院派古典主义影响了后来的新古典主义和立体派美术等;17世纪的现实主义艺术倾向，对后来的18世纪市民艺术、19世纪的现实主义也都有着明显的影响。
17世纪的美术是多元化的，即各种风格流派并存，并互有影响。在这本书中把17世纪的欧洲国家分为三种类型，而在这三种类型的国家中基本流行着三种艺术风格。第一种是天主教势力占统治地位的'国家，如意大利、西班牙等国家，在这些国家，受到宗教势力支持的巴洛克风格占上风;第二种类型是君主专制和王权至上的国家，如法国，在这里占上风的是古典主义艺术风格;第三种类型是以商人和市民为主的国家，如荷兰，在这里，封建王权、教会均不占主要地位，流行的是现实主义的市民艺术和卡拉瓦乔主义。
在上述三种类型的国家里，都流行着不同程度的卡拉瓦乔主义。卡拉瓦乔主义就是17世纪的现实主义，是一种倾向和思潮，曾在欧洲各国获得普遍承认和流行。它具有鲜明的 时代气息和民族、民主思想的特色，带有质朴的非官方的特征。卡拉瓦乔主义在17世纪的欧洲影响颇大，只有充分地承认它的存在，才能全面理解17世纪的艺术和17世纪艺术领域的对立和斗争。
与文艺复兴时期相比，17世纪的欧洲美术首先是出现了许多新的民族画派，强调打破和谐，主张真实的自然美。卡拉瓦乔的艺术就是这样。同时，17世纪美术作品中的人物多具有鲜明的社会特色和时代风貌。有时带有明显的社会批判色彩，这和17世纪动荡不安 电动势带有关。进入17世纪，美术作品中的宗教气息更加淡薄。在这一时期，艺术家的队伍开始两极分化，有的成为教会或宫廷的座上客;有的走向基层变为平民，甚至成为贫民窟的破产者，不可避免地促成了艺术思想上的对立，加剧了流派之间的斗争。17世纪美术的体裁和题材大大地丰富和扩大了。17世纪艺术家由于重视观察自然，加深了对描绘形象的研究，更加丰富了艺术的表现手段，特别是对光的运用。
总之，17世纪各派杰出的艺术家都作出了不同的贡献，各有千秋。卡拉瓦乔主义艺术、巴洛克艺术和古典主义艺术构成了17世纪艺术发展的主要内容，但是，这三个流派之间并不是相互孤立的，而是既有区别，也有相互交流与影响。正是由于这种关系，才造成了17世纪欧洲艺术的丰富性和复杂性。
美术的读书笔记7
本学期我研读了《小学美术教师专业能力必修》一书，读后感触颇多，尤其是在美术教学方面，深刻认识到了一些问题。
孩子学习绘画最初就是从画第一笔线条开始的，线条可以画出一切，表现一切，而且小孩子的线条最具表现力，最有创造力，他们的线条不受美术学习原则的束缚，没有经过规范的学习，这样的才是最真的，但并不是说他们的线条就是最美的。孩子的线条从手中来，从心中来，从他们纯真的思维中来。
学生脑中固有的形其实是很难改变的，他们在幼儿时期学过的画法，大多是教师、家长所教授，或是从书中看来的，他们并没有真正的、实地的去看过和观察过，比如一些动物，他们只是在书中或电视上见过，甚至他们都没见过真正的鸡鸭鹅等家禽，因为动物园里没有。他们画的只是他们看到的、学到的“形”。让孩子们多看大师的作品，可以让他们认识到艺术也可以是“无形”的，可以突破外轮廓的局限。多安排写生课，让孩子们去画那些自己亲眼所见的物象，真正的体验“形”的概念
不知其他教师有没有同样的想法：在刚开始当老师，或者是每个学期刚开学的一阵子，都会制定计划，认真备课，想方设法地进行精彩的教学设计，让课堂内容生动有趣，让自己的状态达到最佳，目的是吸引学生，让他们在课堂上听话。当然，效果是明显的，前几课师生配合默契、课堂纪律良好，但过一段时间，由于学生和教师之间形成习惯，学习疲倦，教师的各类业务逐渐增多，比如教科研工作、各类论文比赛、各级绘画活动和比赛的.展开、学校活动的增加，都让教师把更多的时间转移到此，对上课也就不那么上心，再加上学生的不配合，美术课也就成了名副其实的“玩乐课”。所以，学生是很容易厌倦教师的同一种上课模式的，教师要多花时间在教学设计上，尽量每一节课都展示不同的自己，让学生的学习兴趣一直保持下去。
我发现了自己课堂上的一些语言的问题：讲话太多，不能让学生主动思考。由于我一直从事低年级美术教学，我深深的感觉到：一二年级的学生自我约束力差，课堂纪律和学习意识较薄弱，最容易在音、体、美等“副课”上讲话，不遵守纪律，于是我不时的提醒他们，或整顿课堂纪律，便养成了一种“唠叨”、“多嘴”的毛病，平时发现不了，看了这篇文章之后才觉得这样是不对的，美术课应该给学生相对轻松自由的学习环境，教师的语言应该为这种课堂服务也。
回顾自己的美术课堂，总是不能达到理想的效果，孩子们不配合、不听讲是一方面，更重要的是自己没有真正投入到课堂中去，没有进行积极充分的准备。实物进课堂、课堂进场馆，课外、校外课堂都是很能丰富课堂的方法，但这种方法由于各种条件的限制，并不能真正应用到普通的课堂上，也只能在一些优质课、研讨课、公开课上使用。我们平时使用最多的就是多媒体和网络，正如书中所说，这也并不能解决所有的问题，一些东西是需要学生亲自体验，亲眼见到才能有所感受，有所启发的。读书之后，我深有体会，我也要在以后的课堂中，做到尽可能的让实物进课堂、课堂进场馆。
美术的读书笔记8
1、因为以前系统的学习过严伯钧老师的西方艺术史的课程，所以读这本书困难很小，书里面的人物我大都听说过，一些作品也有一定了解。
2、但我还是在打折的时候买了来，因为觉得课程始终没法满足我，实体的书拿到手上，翻看那些名画更有视觉的冲击。
3、这本书从原始社会的工具开始，一直到现在社会。大部分的`美术作品，著名画家，著名雕塑家和建筑物都包含进来了。
4、每一个时代特征，造就了不同风格的艺术作品。
5、让我很意外的是，所有的开始，竟然是人类会使用工具。这个点是我以前从未接触过的，觉得很新奇。
6、一口气读完，就像是自己一下子拥有了从古至今所有的名画、知名建筑、知名雕塑，带来的是视觉上和精神上的满足。
7、这本书也是开页的，很方便翻阅。出版社毫不吝啬，有时候一页纸一幅画。
8、读这本书，把我带入了每一个时代，就像做了一次时光机，从古穿梭到今天。
9、也像是mini版的艺术课，很系统！
10、在当代，艺术越来越没有边界，越来越广泛。这一路看下来，才发现，原来我们曾拥有这么多财富。
11、唯一不足的是，可能是因为彩印的原因，书里的甲醛味很浓。我看的觉得自己要甲醛中毒了[撇嘴]
12、我觉得这本书的书名也是一语双关的，“大家”即是大众又是强者。因为这本书是写给普通大众读的，但能选择读这本书的，也是个有内涵想去探索美的人，也是艺术界的大家。
美术的读书笔记9
中国绘画肇始于原始社会，至少有6000年以上的历史。原始社会人在长期的生产劳动中，改造了自然，同时也改造了人本身。进入旧石器时代晚期，中国的古代祖先已由早期智人发展为晚期智人。生产劳动和工具的制造，使他们的思维能力得到提高，既能进行物质生产，又能相对独立地进行精神生产，这就为绘画的萌始准备了条件。在距今 3万年左右的山西省朔县峙峪旧石器时代晚期遗址中，发现了一件刻着似为羚羊、飞鸟和猎人等图像的兽骨片，猎人以此寄寓猎获野兽的意想和愿望。
这种刻有仿生图像作品的出现，为绘画的产生揭开了序幕。 约1万年前，中国进入了新石器时代，人们在长期的`有秩序的定居生活中，不断地总结和积累经验，从而掌握了制陶技术，并且在陶器制作和图案装饰的过程中，提高和丰富了艺术造型的能力。由于技术的进步，出现了先在陶坯上彩绘花纹后再烧制而成的彩陶。分布在渭水、泾水流域一带的老官台文化(距今约7000～8000年间)已有绘着简单纹样的彩陶。这是迄今发现的最早的彩陶。老官台文化彩陶的彩绘颜色有以氧化铁为主要成分的红色和高岭土为主要成分的白色。在距今6000多年的陕西省宝鸡市北首岭半坡类型文化遗址中，还出土了紫、红两种彩色颜料锭。老官台文化彩陶上的红色宽带纹用宽笔绘成，而几何图案和符号则用细笔绘成。由于人们进一步掌握了颜料、笔等绘画工具，使绘画的兴起具备了必要的物质条件。
中国原始社会绘画的发展有自己的特点，这和中华民族的形成过程有关。中华民族是由各区域的不同部族融合而成的，因此随着各族的不断交融，绘画表现的社会内容愈来愈丰富，除去写实的表现方法外，还有运用想象的表现方法。从这特点来说，对以后中国绘画的发展方向产生了深刻的影响。
美术的读书笔记10
美术学科是九年义务教育必不可少的艺术教育之一。它又是造型艺术，包括绘画、雕塑、工艺美术和建筑艺术，不论是绘画还是工艺美术的学习，都提倡培养学生的新思维和动手能力，能让学生在平凡中找到美感，在简单中发现神奇，提高对真、善、美的认识。
新课标中指出美术是艺术学科，情感性是美术的一个基础品质，也是美术学习活动的一个基本特征。因此，美术课首先是陶冶学生的情操，提高审美能力，增强对自然和生活的热爱以及一种责任感，并培养他的尊重自然和保护自然环境的态度以及创造美好生活的愿望，可以看到，美术学科的功能不仅是个人的，更是社会的。只有正确运用美术知识教育学习，才能达到人与社会、人与自然的和谐发展。
美术是人类文化最早和最重要的载体之一，运用美术形式传递情感和思想是整个人类历史中的.一种重要文化行为。学生经过美术课程的学习有助于熟悉美术的媒材和形式，理解和运用视觉语言，更多的介入信息交流，共享人类社会的文化资源，并促使他们积极参与文化的传承。
此外新课标的要求还能培养学生的感知能力和形象思维能力，促进对新事物的认识和新产品的开发。在北京奥运会的开幕式上我们看到，科普美术能让声、光、电、热等各种科学原理变成人格化的艺术形象，变成五光十色的图案。可见美术的社会功能无处不在。
美术的读书笔记11
一、什么是美术？美术有哪些种类？
（一） 什么是美术？
艺术和技术的融合是一种新兴趋势。"艺术"这个词起源于古罗马语言中的"ars"，在现代英语中演变为"art"，它最初的意义与“自然造化”相对，是指人类运用其手工技能所制作的各种艺术品、文学、戏剧、音乐等，也包括拳击、魔术、时装设计、农业等广泛领域。
今天，英语中的“art”一词有两个含义，一个是指所有艺术门类，如音乐、舞蹈、文学、戏剧、电影等，另一个则是指视觉艺术，包括绘画、雕塑、工艺和建筑等。在视觉艺术方面，“art”更常用于表示美术，而在其它艺术门类中，则更多地是指“艺术”。
很多西方文献中，他们所谓的“art”仅仅是指我们中国人所称的“绘画”。而他们所说的“thefinearts”（我们可以简单译作“艺术”），包含了诗歌、音乐、绘画、雕塑、建筑等多种艺术形式。
“美术”这个专门名词，在中国是从“五四”新文化运动开始被文艺家和 教育 家普遍运用的。当时蔡元培运用“美术”这个术语时，也还包括了诗歌和音乐。
其后，在中国的文化领域和教育领域，我们逐渐将“美术”和“艺术”这两个概念区分开来。所谓“艺术”，是指用各种不同的表现手法来反映自然界和社会现实，以及展现人类情感和思想的一门综合性学科。它包括了美术、音乐、诗歌、舞蹈、戏剧、电影等多种形式，甚至还包括了服装、园林等非常广泛的范畴。
“美术”，则专门用来指艺术的一个重要分支，即视觉艺术（绘画、雕塑、建筑、工艺设计、书法篆刻）部分。一种精神产品，“美术”它有别于听觉艺术的意义、语言艺术的文学，具有造型性（形象）、可视性（视觉）、静态性（瞬间）、物质性（材料）的一种空间（二或三维）艺术。
名词概念：
1.美术是一种艺术活动，它运用各种物质材料来创造可视的平面或立体的视觉形象，反映自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情。这是人类的一种创造性活动，也是能动的审美反映。美术可以被称为视觉艺术、空间艺术、造型艺术等。
2.美术作品：是基于客观现实之上的人的内在生活(思想、观念、情感)的物化形态。
3.美术史：是对美术现象和具体美术作品及与之相关的历史事实的学术性研究，并通过对历史上各个时代的美术的研究，概括各个时代的审美意识和文化特征,把握美术发展的基本规律。
（二） 美术有哪些种类？
因地理环境、文化习俗、审美追求的不同，世界美术分为东西两大体系。
东方传统美术以中国为代表，重传神写意、崇尚主观意象的表现；西方传统美术重模拟，崇尚客观物象的再现。所以，我们这门课将以比
照的方法来学习。
按“形”来分：具象美术、意象美术、抽象美术。
按制作方法分：绘画、雕塑、建筑、工艺、设计、（书法和篆刻）。
按作用功能分：纯美术和实用美术。
第一章 原始社会的美术
一．新石器时代的陶器艺术
原始社会新石器时代的磨制石器、彩陶艺术
中国彩陶文化发源地：
1、仰韶文化是新石器时代早期发展起来的文化，其分布范围包括陕西、山西、河南一带。该文化主要分为半坡类型和庙底沟类型两种，其中半坡类型以鱼纹为典型装饰纹样，多数图案绘制在器物内侧；而庙底沟类型则以花瓣纹为主要装饰，常采用连续的二方图案绘制于器物腹部外壁。
2、马家窑文化是指新石器时代中晚期在今甘肃和青海一带出现的一种特定文化。其特点是纹样图案以自然物象和几何形图案为主，具有浓郁的生活气息。这些图案不仅反映了当时人们的生存环境和生产方式，还表达了他们对自然界的敬畏和崇拜。
彩陶是一种具有独特魅力的陶器，它是在打磨光滑的陶坯上使用天然氧化铁和氧化锰作为颜料进行描绘的。在摄氏一千多度的高温中烧制后，彩陶于橙红色胎底上形成黑、红、白等色的图案。这种工艺不仅需要高超的技巧和耐心，还需要对颜料的精准掌控和火候的把握。彩陶的制作过程繁琐而严谨，但它的艺术价值和文化内涵都是无可比拟的。
半坡人面鱼纹盆属于什么文化？其装饰纹样的涵义有哪些？
中国新石器时代的彩陶艺术成就主要体现在仰韶文化和马家窑文化的陶器作品之中。西安半坡出土了一件名为“人面鱼纹盆”的陶器，属于仰韶文化的半坡类型。这个陶盆内壁装饰着图案，展现了人面与鱼的简练造型和生动组合：人面为圆形，画有鼻眼，头上有饰物，两耳左右各有一条小鱼，口内又衔两条小鱼；人面图案与鱼或网并列相伴。这种图案有一定神秘色彩，被认为与半坡氏族公社的原始信仰有关。
最早的原始绘画遗迹（距今已有6000多年的历史）
其具体涵义主要有崇拜鱼图腾说、祈求捕鱼丰收说、祈求生殖繁衍的祝福说等。
该作品耐人寻味，是仰韶文化半坡类型的绘画杰作和典型器物。
二． 雕塑与绘画
雕塑；稚拙率真的原始绘画:装饰性绘画、岩画、地画。
原始雕像的特征：多为裸体，形体夸张，突出女性特征及生殖部分，而面部和四肢都被异常简化。
小结：原始社会是人类文明发展的早期阶段，人们处于一个野蛮、蒙昧的状态。由于当时社会生产力水平低下，人们主要以谋生为中心，但也开始展现出征服自然、追求美好生活的审美精神。在中国原始审美文化中，物质产品的实用性和美观性并不分离，这表现在工具系统和器物系统的设计中。石器的形制和装饰，以及陶器的造型和纹饰都成为了该时期审美设计的范本。总体上来看，这个时期的审美设计呈现出“朴实无华却躁动不安”的特点。
第二章 奴隶制时代的美术
1、概述
殷虚甲骨文
这是一个由奴隶社会向封建社会演变的漫长时期。这一时期，社会分工越来越细，工艺美术、雕刻、绘画、建筑等都获得较大发展，其中祭神敬天的青铜器被奴隶主视作财富、地位和权势的象征，发展的水平最高。
2、灿烂的青铜工艺（青铜"礼器"的艺术精神；青铜的造型与装饰特点；青铜器造型和纹饰的演变）
青铜器是指将红铜与锡合成的一种合金制作而成的器物。在中国古代，夏、商、周时期是青铜器制作的黄金时期，大量精美的青铜器问世，这些器物的造型和纹饰对于工艺美术史具有极其重要的意义。青铜器的出现，为人类文明进步提供了无限的想象空间，同时也为后世留下了珍贵的文化遗产。
青铜器种类主要有礼器（生活用器，体现尊卑）、乐器、兵器、工具及车马器四大类。
青铜器的装饰纹样有哪些？
商代主要有饕餮纹、云雷纹、夔纹、龙纹、风鸟纹等
西周主要有夔纹、鸟纹、等
春秋主要有蟠魑纹（繁缛）
战国出现了生活气息浓郁的狩猎、习射、采桑、宴乐、攻占等图案。
饕餮纹：饕餮是一种想象中的神秘怪兽。这种怪兽没有身体，只有一个大头和一个大嘴，十分贪吃，见到什么吃什么，由于吃的太多，最后被撑死。它是贪欲的象征。是东海龙王的第九个儿子。
饕餮纹最早出现在距今约五千年前的良渚文化玉器上。据《吕氏春秋·先识》所述，周鼎上有饕餮图案，其头存在，身体缺失，正在吞噬人类。饕餮纹也出现在二里头文化和夏文化时期的.青铜器上，通常是以鼻梁为中心线，左右对称排列，下唇分明。商周时期的饕餮纹种类繁多，有像龙、虎、牛、羊、鹿的；还有如鸟、凤、人形等。饕餮纹这个名称并非古代就有，而是随着金石学的兴起而由宋代命名。目前保存最完好的饕餮面具高达21厘米，现存于美国西雅图图书馆内。随着时间的推移，饕餮纹在西周时期逐渐失去了其神秘色彩。
已知最早的完整的青铜器是河南偃师二里头文化遗址出土的“二里头爵”（夏朝）
青铜艺术的分期：
青铜器育成期、青铜器鼎盛期、青铜器转变期、青铜器更新期
青铜器的形制特点：
（夏朝）器形小，器壁薄。
（商朝）器形大，稳定厚重
（周朝）铭文盛行
（春秋战国）饰纹世俗化
3、建筑（溯源；宫殿建筑之滥觞）
4、绘画与雕塑（绘画；雕塑）
小结：夏商周三代是中华 民族 有野蛮步入文明的时期。该时期占统治地位的巫史文化，一方面带有浓厚的原始文化的痕迹，同时已具有了“遵礼”、“敬祖”的文明化特征。其物化形态的范型（主要美术遗存）是青铜器，它象征着奴隶主专制的宗教等级制。青铜器的形制沉重，纹饰构象狞厉可怖，内含着某种神秘而威严的力量，表现出中华文化黎明期审美设计的特征：神秘的崇高。
第三章 战国秦汉美术
一、概述
总体把握秦汉时代美术发展概貌
二、绘画盛势
汉代绘画艺术主要表现在哪些形式中？
汉代是中国古代绘画艺术发展的重要阶段，其主要表现形式包括宫殿衙署壁画、墓室壁画、帛画、工艺装饰画以及兼具雕刻与绘画特点的画像石和画像砖等。这些作品在表现手法、题材选择、色彩运用等方面呈现出独特的风格和艺术魅力，为中国绘画艺术的发展做出了重要贡献。
墓室绘画发达的原因；墓室绘画的题材
缣帛画
画战国帛的用途、内容及艺术特色是什么？
战国帛画主要指湖南长沙楚墓出土的两幅旌幡性质的帛画。
内 容：，1．《龙凤人物图》31×22.5CM 、（内容：细腰长裙的贵族妇女；凤鸟翅膀伸展、引颈似飞；神龙张举双足、体态腾飞。）
2．《人物驭龙图》37.5×28CM 、（贵族男子戴冠、长袍、佩长剑、侧身持缰；长龙似舟、飞向天国）
用 途：葬仪中的旌幡，墓主肖像，表示在龙凤的指引下，灵魂不朽，升归天国。
艺术特色：用帛子绘制人物立像，侧面呈现，比例协调匀称，姿态庄严肃穆。勾线流畅挺拔，色彩采用平涂和渲染相结合的方式，使画面更加庄重典雅。
西汉帛画
湖南长沙马王堆1号墓出土的西汉帛画的主题内容和艺术特点是什么？
（“绘”字是“丝”字偏旁，指的就是用颜料在丝上设色的意思）
画面构图分天上神境（太阳金鸟与月亮蟾蜍、坐着说话的仙人、飞龙）、人间生活（墓主人和侍从）和地下生物（大力士撑着大地、人头鸟、鳌鱼）3个部分，此画把写实（人间）和幻想（天界、地界）都融合在一起了。在艺术处理上有这样几个特点：构图上以穿壁的蛟龙，将天上与人间、地下部分有机地联合起来，形成一个浪漫热烈的整体；将墓主人的形象置于旌幡的中心和醒目位置，通过侍从的衬托，显示其高贵身份；墓主人呈全侧面表现，突出形象描绘，其形貌服饰刻画的惟妙惟肖；姿态矫健生动，富有奇特的想象力；画面勾线挺拔，线条粗细变化中富有流畅韵致；设色庄重典雅。
三、画像石、画像砖艺术
什么是画像石、画像砖？分布在哪些地区？
画像石与画像砖是秦汉时期遗存丰富的美术史资料。在坚硬的砖石上面雕绘精美图像，作品兼具绘画、雕刻两种因素。画像石是雕刻着不同画面，用于构筑墓室、石棺、墓前祠堂和石阙的建筑石材；画像砖是用于墓室建筑的砖刻绘画，是具有装饰意义的建筑构件。画像砖以河南、四川出土最多、其艺术造诣最高的当属四川地区。
画像石(砖)的分布；
古朴深厚的山东画像石艺术；
山东嘉祥武氏祠画像石的艺术手法是什么？
山东嘉祥武氏祠画像石采用减地平雕加阴线刻的技法雕成。画像善于抓住历史故事矛盾冲突的高潮，善于运用必要的景物以表现特定的环境，人物之间的关系也处理的非常出色，以夸张的戏剧性动作，在构图的均衡平稳中表现出动感和力度。画像具有工整、严谨、朴素、古拙的写实特色。
泼辣豪放的南阳画像石艺术；
清新明朗的四川画像砖艺术
四川画像砖的艺术特征有哪些？
四川画像砖是中国古代建筑艺术的珍品之一，其主要表现了伏羲、女娲、日月神、西王母等美好神话内容，同时也描绘了现实生活中的车马出行、宴乐观舞、门阙仪卫等场景。特别是在反映汉代封建庄园经济的农副业生产活动和集贸活动方面，画像砖更是做到了淋漓尽致。四川画像砖风格清新、充满乡土气息，采用了剪影式的图象、夸张的造型、大的块面以及简练的线条，使得画面物象充满了运动感和神韵。同时，也体现了雄健、扑拙、生动流畅和博大浑穆的时代特征。作为中国古代建筑艺术的一部分，四川画像砖已成为世界文化遗产，具有极高的艺术价值和历史意义。
四、壁画
宏丽的廷殿壁画；
纷繁的墓室壁画
汉代墓室壁画有哪些重要遗存？
汉代时期的墓室壁画是非常重要的文化遗产，其主要保存在洛阳卜千秋西汉墓壁画、洛阳烧沟61号西汉墓壁画、辽宁金县营城子东汉墓壁画、河北望都1号墓东汉壁画、内蒙古和林格尔东汉墓壁画等遗址中。这些壁画描绘了当时政治、经济、文化、社会生活等各个方面的情况，对于研究汉代历史和文化具有重要意义。同时，也反映了汉代艺术的独特风格和高超水平。这些珍贵的墓室壁画是我们了解汉代文化的重要窗口之一。
五、器物上的装饰绘画
铜壁上的画卷；
瑰丽的漆器装饰画
六、秦汉的绘画艺术特征
七、雕塑
秦汉雕塑的作用与成就是什么？
秦汉时期的雕塑艺术是中国雕塑史上的第一个高峰，被统治者广泛应用于宣扬统一成果、展示王权威严、美化陵园建筑以及纪念功臣将帅等方面。这一时期的陶塑、石雕、木雕、青铜铸像和工艺装饰雕塑等领域取得了辉煌的成就，展现出深沉雄大的气势与风范。
深沉雄大的大型纪念兴石雕:《霍去病墓前石雕》；
西汉霍去病墓石刻的用途、内容和艺术手法是什么？
霍去病墓石刻是西汉纪念碑性质的大型组雕，现存陕西兴平县道常村。汉武帝为纪念多次率兵反击匈奴侵扰，立下赫赫战功但不幸病逝的青年将领霍去病而建，并在墓冢周围放置各种石刻动物，以烘托霍去病战斗生涯的艰苦和其战斗功勋的卓著。霍去病墓石刻共有14件，全部用花岗石雕成。其艺术特征是；运用循石造型的手法，巧妙地将圆雕、浮雕、线刻技法融会在一起，刻画形象以恰倒好处、足以表现客体特征为度，不作过多雕镂，使得作品具有整体感与力度感，堪称汉人石刻气魄深沉雄大的杰作。
《马踏匈奴》雕像的艺术特征是什么？
《马踏匈奴》置于霍去病墓冢前面，是群雕中的主体和代表作品。雕像高1.68米，以一匹气宇宣扬、傲然卓立的战马来象征这位汉代大将军；以战马将侵略者踏翻在地的情节来歌颂霍去病抗击匈奴战争中的勇敢；以仰面倒在马下手持弓箭的敌人形象表现失败者的垂死挣扎。马踏匈奴的造型，轮廓准确有力，马头到马背部分作了大起大落的处理，形象醒目，主题突出，风格古朴雅拙、凝重雄健，是思想性与艺术性完美统一的典范，也是西汉雕刻艺术成就的标志性作品。
寓美于朴的陶俑《秦陵兵马俑》、《击鼓说唱书》；
秦始皇陪葬陶塑兵马俑的布局、功能和艺术特点是什么？
秦兵马俑1974～1976年发现于陕西临潼秦始皇陵东西杨村。先后发掘3座埋葬大型兵马俑的丛葬坑，其中1号坑象征以战车和步兵组成的主体部队；2号坑为弩兵、战车、骑兵组成的混合部队；3号坑是军事指挥部。其中1号坑埋葬的与真人真马等高的陶塑兵马俑达6000余件。秦兵马俑是秦代近卫军的写照，既担负着守卫陵园的象征职能，又是对秦始皇完成统一中国历史功业的纪念。
秦俑的艺术特点是：手法写实，造型严谨，形象生动，性格鲜明。在布局上利用直立静止体的重复，组合关系的多样统一和空前的数量，形成了雕塑群巨大的体量和排山倒海、震撼人心的雄强气势。
什么是俑？汉俑的雕塑特点及其代表作品是什么？
俑是古代用于殉葬的物品，题材多是被役使的卫士、奴仆和乐舞伎的偶人或现实生活中的畜兽等。佣最早是替代奴隶殉葬的摹拟品，起于春秋战国时期，秦汉与隋唐盛行，宋代因流行纸冥器而渐衰。
汉俑的雕塑特点是：长于动态刻画，造型适度夸张，形象鲜明，手法简洁概括，极富生活情趣，表现出稚拙、憨厚、浑朴的艺术风格。代表作品主要有陶塑陪葬兵马俑、侍女俑、乐舞杂技俑、击鼓说唱俑等。
多姿多彩的铜雕:《长信宫灯》、《铜奔马》
汉代重要青铜雕塑与工艺雕塑作品有哪些？
汉代青铜雕塑与工艺雕塑代表作品分别是《马踏飞燕》（马在汉代象征了军力的强大，又如“马踏匈奴”）和《长信宫灯》。
秦汉两代，中国封建社会如日东升。大一统的秦帝国的建立，标志着中华民族文化共同体基本形成，秦皇霸业气象不可一世。西汉承秦制，加强中央集权，国势强盛，文化发达。显示王权威严，炫耀帝王功业，成为审美设计的主潮。秦汉都城、宫室、陵墓等建筑以及旌幡等工艺的审美设计。
复习：比较秦始皇兵马俑和汉代石刻（霍去病墓前石刻）艺术的异同。
秦汉时期的雕塑艺术，堪称中国雕塑史上的巅峰之作。这一时期的雕塑作品，被用来宣扬统一的功业、展现王权的威严、美化陵园建筑、纪念功勋将领等，成为当时统治者们展示权力的有力工具。这些作品所呈现出来的气魄深沉、雄浑。
秦朝的陵墓兵马俑注重写实手法，精细地刻画了战士们的装备和神态；而汉代的霍去病墓前石雕则更注重写意手法，通过石雕形象传达出南方楚文化的象征意义。这种风格随后成为中国古代雕塑艺术发展的主流，对后世雕塑家的创作产生了深远的影响。
汉代霍去病墓前石雕与秦陵兵马俑不同的有两个方面：
1> 题材除了兵马俑，更多的是文俑，舞俑，杂技俑，侍仆俑等。
2> 艺术处理手法上，汉代注重人物神态和动态的刻画，忽略形体比例结构，甚至有意通过夸张变形达到传神的艺术效果。
在中国的古代文化中，石刻是一种重要的艺术形式。霍去病墓前的石雕是著名的汉代艺术作品之一。这些雕刻以其神秘和生命力充沛的整体感和力度感而闻名。它们的造型大气磅礴，堪称中国汉代最出色的艺术代表之一。这种“写意”的创作方式逐渐成为中国造型艺术的主流。相比之下，秦始皇兵马俑是以现实生活为题材进行塑造的，使用了细腻、明快的艺术手法来表现不同手势、脸部表情和神态，彰显出强烈的时代特征和个性，是泥塑艺术的巅峰之作。它们为中华民族古老灿烂文化增添了光彩，也为世界艺术史提供了珍贵的贡献。霍去病墓前有16件石刻，包括石人、马、卧牛等多种主题和题材。它们用简练、雄健、古拙粗犷的手法刻画出立体的形态和生动的表情，彰显着古代艺术的魅力。这些石雕与秦始皇兵马俑一起构成了中国古代艺术宝库中的珍品，展示出中华文化的博大精深，也为我们的后代提供了无尽的历史记忆和启迪。
秦兵马俑雕塑写实手法不仅表现在整体的把握上，而且在细部方面也体现了一丝不苟、形象逼真的特点。如秦俑的发型，有螺旋纹式、波浪式等。发辫有三股、六股，盘曲扭结，丝丝头发，陶俑的发舍有单环髻、双环髻、三环髻、四环髻等等，表现了现实生活中束发络髻的各种式样。发髻的带头，有呈扇面形，有为折波形，有的则表现飘摆翻卷。陶俑的服饰衣纹随体曲折，刻画得维妙维肖。甲俑铠甲的甲钉疏密有致，也刻划得丝毫不差。陶俑腰间所系革带和带钩，腿部扎的行縢，以及靴、履等细部，与实际对比具有极高的相似性。连跪射俑右脚鞋底两端密中间稀的排列，也是基于人脚着地后部位摩擦轻重不同的考虑。像手指上的骨节和指甲等也刻画得十分逼真。就连陶马口中的牙齿这一不为人注意的细节，以表示马正处于青壮年时期，把写实主义手法表现得淋漓尽致。其艺术上的地位和意义，而且在世界艺术发展史上都占有光辉的一页。
秦兵马俑的大型艺术群雕用高度概括和细腻写实的艺术手法，生动地再现了两千多年前秦军的磅礴气势，是我国雕塑艺术史上的一支奇葩。陶俑制作都很写实，精确地刻画出了武士的不同身份，个性与心理活动。兵马俑不仅形象生动，规模宏伟，再现了当年秦国兵强马壮、气吞山河的风貌，开创了我国雕塑史上大型群塑的先河。即形体高大、数量众多、形象逼真。形象逼真，是指兵马俑的塑造追求毕肖的写实作风，严格地模拟实体，力求与实体相似。不管是兵马俑的形体、装束，还是军阵编列、车的形制、结构等等，都一丝不苟地忠实于现实生活。鬼神在冥间的生活和在人间一样，追求毕肖便成为塑造俑像的指导思想，也是造型艺术表现上十分普遍的规律。秦俑的面型是丰富多彩的，可以说是千姿百态。多种多样的发髻、发辫，反映了作者在统一中力求变化，使俑的形象更加丰富多姿。秦俑造型，把外部形体与内在的气融为一体。那立如铁塔似的武士俑，往往表现性格粗旷，气度勇猛；清秀型身材的俑，则显得文雅、聪明、伶俐；身材魁梧的军吏俑。
而在其相比之下，汉代霍去病墓前石雕的价值体现在：其一，借《伏虎》赞美英雄，这较之于秦兵马俑直接以马或立像雕塑表现更富于诗性的想象，这是中国纪念碑的“借喻法”。其二，以原石、原形为体，开创了望石生意、因材雕琢的创作方式。这种方式的哲学根基是“天人合一”的思想，一方面尊重自然、时间对石头的“炼就”，另一方面融入人的创造。这与秦兵马俑相比，更显汉代重“意”的艺术表现思维方式。秦兵马俑以物真实为依据而打造、磨练石头，使之合乎事理，并通过对生理的刻划来表达形体的量和力。而汉代霍去病墓前石雕直接借助原石的方式，则是自觉或不自觉地利用了自然的力量，这对建于室外的纪念碑雕塑无疑是最为合适的艺术表达。汉代霍去病墓前石雕：一是“相原石”，先审视石材形状大体近似何物；二是“合他我”，这是对象与作者的契合；三是“一形神”，在整体把握的大略雕刻中从石里剥出体、面、线，使材料、物象、作者融三为一。
第四章 魏晋南北朝时期的美术
一、概述
总体把握本期美术发展概貌。
汉朝结束后，中国历史上曾经出现过一个时期，那就是三国时代。这个时期的特点就是中国被分裂成了魏、蜀、吴三个国家。北方由曹操和曹丕建立了魏国，四川由刘备建立了蜀国，而南方由孙权建立了吴国。这段历史长河中，三国相互争斗，形成了一系列的战争和斗争。
三国的时间并不长，大约前后五十年左右，司马炎又统一了中国，改国号为晋。
司马炎建立的晋朝，后来因为被北方几个少数民族联合进攻而灭亡了。但是，晋朝残余的力量迁到南方，定都金陵（南京），在历史上称为东晋。东晋时期，北方被许多外来的少数民族占据（十六国到北朝），汉族的文化大都被破坏。许多原来住在北方的汉人，避难到南方。他们保有传统的文化，重视教育，也产生了很多优秀的文学家、书法家和画家。从东晋开始，汉人在南方建立了宋、齐、梁、陈四个朝代（南朝）。文化的形式和北方有了很大的差距。
一、人物画的新发展
时代新风的开拓者 曹不兴、卫协；
南北朝时期的重要画家
陆探微，刘宋时期杰出画家，创造了“秀骨清像”的绘画形象。
张僧繇，萧梁时期代表画家，造型为“笔才一二，象已应焉”的疏体。
曹仲达，北齐画家，创造了“曹之笔，其体稠叠而衣服紧窄”的“曹衣出水”的形象与风格。
杨子华，北齐宫廷画家，在表现当时题材的人物画和贵族生活的风俗画上有很大的成就。
人物品藻与传神写照——顾恺之和南朝人物画，顾恺之绘画理论“迁想妙得”，代表作《洛神赋》、《女史箴》、《烈女图》。
顾恺之的艺术成就与代表作品
顾恺之，东晋画家，字长康，小名虎头，出生于江苏无锡的贵族家庭。他是一位多才多艺的人，擅长诗赋和绘画。他的绘画作品涵盖肖像、历史人物、道释、禽兽和山水等各个领域。其中，他的人物画作品非常传神，注重描绘眼睛。顾恺之认为，绘画要传神，不仅要准确地刻画人物外形，更要着重表现眼睛的神态。他曾说：“传神的描绘正处于阿堵中。”这说明在顾恺之看来，人物的美丑并不是最重要的，而是能够准确地传达人物的性格、情感和思想。
顾恺之绘画笔迹紧劲连绵，如春蚕吐丝，悠缓自然，将战国以来形成的高古游丝描发展到完美境地。顾恺之善用睿智的眼光来审查题材和人物性格，在绘画中加以提炼，故其画有一定的思想深度，耐人寻味。
南朝人物画陆探微《竹林七贤与荣启期》，张僧繇；
《竹林七贤与荣启期》墓室砖画的内容与表现特点
“七贤”：魏晋时期的文人都有着独特的个性和追求。他们中有阮籍、嵇康、王戎、山涛、向秀、刘伶、阮咸等人，他们擅长诗歌、琴棋书画，喜欢自由自在的生活方式。这些文人热爱自然，常常去山林中听松、泛舟湖上、漫步竹林，领悟大自然的美妙。他们也喜欢畅饮美酒，有时候会喝得醉醺醺地高声唱歌、裸体跳舞，展现出孩子般的天真和不羁。虽然这些文人大多有过深厚的学问和艺术天赋，但却不愿沉浸在官场纷争之中，也不屑于与虚伪的人交往。他们推崇玄学清议，喜欢隐逸山林，对于世俗的事物持消极态度。
“荣启期”：春秋时代的一个隐士，也和竹林七贤一样崇尚自然。
此砖画在南京的一座墓中发现的。南京是当时东晋的首都。
此画不是依靠很多的情节与动作来表现人物故事和生活好尚，而是以刻画人物的外貌和表现人物的内在精神气质为主要特征。画中刻画了七贤的相貌，塑造了每个人的性格与个性，表现出人物不同的爱好和典型神情，简练的笔墨中突出了传神的情趣。壁画具有南朝人物画所特有的清瘦秀丽，表现手法写实，人物动态生动。
绘画理论著作——《画品》标程千古的“六法论”。谢赫品画艺术标准“六法论”：“气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移模写。”；
《画品》的作者是南齐（479～502）前后的画家、绘画理论家谢赫。《画品》是古代最早对绘画作品、作者进行品评的理论文章。《画品》的内容有：提出了绘画的社会功能；阐述了绘画批评的标准即“六法”；同时对曹不兴以来的27位画家分品第高下。《画品》中提出的绘画功能是“明劝戒，著升沉，千载寂寥，披图可鉴”，明确地论述出绘画创作与政治教化密切相关的主张。“六法”是：气韵生动；骨法用笔；应物象形；随类赋彩；经营位置；传移摹写。
北朝绘画
三、山水画的兴起
顾恺之与山水画；
宗炳、王微的山水画论，宗炳《画山水序》“畅神说”，王微《叙画》；山水画兴起的原因
四、中国早期的佛教艺术
佛教与佛教艺术溯源；
佛教艺术的东渐与兴盛；
早期佛教壁画的内容和美学特征；
北朝石窟寺壁画的主要表现题材
北朝石窟寺壁画以新疆克孜尔石窟壁画和敦煌莫高窟壁画最为著名。
壁画中盛行本生、本缘故事画。本生指释迦前生姻缘故事，常以前生为国王、王子、婆罗门、商人，以及弱小动物的遭遇为比喻，突出施舍、仁义等思想，宣扬忍辱牺牲、舍己为人的苦行。如敦煌莫高窟壁画中的尸毗王本生、鹿王本生、萨埵那太子舍身饲虎等。
石窟寺艺术及其代表石窟寺
石窟寺艺术是我国佛教寺院的一种艺术形式，用于礼佛和修炼的地方，始于公元4世纪（汉末），盛于5～8世纪（南北朝～五代），此后逐渐衰落。石窟寺多依山开凿，窟前建造木构或仿木构窟前建筑。
石窟寺艺术的主要表现形式是石窟寺佛教壁画和佛教造像。
在魏晋南北朝时期，我国的佛教繁盛发展，许多寺庙建立了石窟来供奉佛像和经文。其中，代表洞窟有四个：甘肃敦煌的莫高窟、山西大同的云冈石窟、河南洛阳的龙门石窟以及甘肃天水的麦积山石窟。这四处石窟都是我国佛教历史上的重要遗址，保存了大量珍贵的文化和艺术遗产。
1． 甘肃敦煌莫高窟
敦煌莫高窟地处河西走廊西端，位于甘肃省敦煌市东南25公里鸣沙山东麓。前秦（北朝）建元二年（366）开始建窟，此后洞窟的开凿与寺院德望兴建逐渐兴盛，形成历北凉、北魏、西魏、北周、隋、唐、五代、宋、西夏、元11个朝代不断修造而成的莫高窟。莫高窟至今存有492个洞窟。
2． 甘肃天水麦积山石窟
麦积山石窟在甘肃省天水市东南的麦积山上，开凿于十六国晚期，隋、唐至明、清续有修凿，现存洞窟194个，各种造像7000余尊。佛教造型清新秀丽，明显有别于云冈、龙门的庞大造像。
早期佛教雕塑，第一阶段以北魏云岗石窟造像为代表；
3． 山西大同云冈石窟
位于山西省大同市西部的武州山，在北魏时期被开凿出来。寺内主要雕像宣扬了“皇帝即是当今如来”的思想，强调君权和神权的统一。主像高大雄伟，占据整个窟内空间，给朝拜者带来无比威严和压迫感。雕像造型粗壮，面型方圆，鼻梁挺直，衣纹流畅简洁，呈现出中亚造像的特色。
第二阶段以洛阳龙门宾阳洞造像为代表；
4． 河南洛阳龙门石窟
龙门石窟位于洛阳市南郊，坐落在伊水两岸。这里主要有宾阳洞、古阳洞、莲花洞、石窟寺洞等。石窟内的雕像面容秀美，身穿华丽的衣袍，神态优雅，与印度、西域以及北方造像风格大不相同。这些雕像的出现标志着外来佛教艺术已经开始与中华民族传统艺术相互融合，为汉民族文化的发展奠定了基础。
第三阶段以北齐石刻为代表；
佛教建筑
南朝陵墓雕刻——辟邪的作用与雕刻特点
南朝陵墓前石兽一般称辟邪。它形如狮子而有翼，有角或无角，是根据传说而创造出来的，取其驱邪求福或升仙的含义。在细分，双角为辟邪，独角为天禄。
其艺术特点是：形体硕大，气度恢宏，形象夸张。
这种雕刻的特点在于使用整块石头进行雕刻，塑造出颀长的身形，腰部微曲，昂首阔步，展现出强有力的曲线美。雕塑上刻有双翼，但不会给人轻盈灵动之感，而是注重体积和重量感，显示出雄壮气势，以凸显墓主人尊贵的身份。
小结：魏晋南北朝是中国历史上的“乱世”之一。然而，在这个动荡混乱、充满沉郁悲凉之气的浮尘乱世，却出现了中国古代文化多元走向的繁荣局面。该时期的寺庙、园林建筑以及服饰制作、青瓷工艺等方面的审美设计，都达到了很高水平。追求清高脱俗的名士生活方式，树起了后世文人雅士生活发生审美观的标准和规范。
该时期的审美设计兼容各种风格，佛寺建筑的华美富丽，中亚风格的金银器的精美灿烂，与女式常服的轻盈飘逸，园林的自然天趣，青瓷设色的清玄幽雅，相映生辉，构成多姿多彩的魏晋风光。
复习：顾恺之其人与其艺术成就，并赏析其代表作品《洛神赋图》
顾恺之（公元346—407年）字长康，小字虎头。晋陵无锡﹝今江苏省无锡县﹞人。东晋时期杰出的人物画家。曾为桓温及殷仲堪参军，义熙初任通直散骑常侍。他家祖辈都是晋朝官吏、书香人家。顾恺之很小就博览群书，崭露才华。博学有才气，工诗赋、书法，尤精绘画，擅画人像、佛像、禽兽、山水等，有“才绝、画绝、痴绝”之称，“才绝”是说顾恺之聪颖，多才多艺；“画绝”是说顾恺之擅长绘画；“痴绝”就是顾恺之对艺术研究专心致志的精神。与陆探微、张僧繇并称“画界三杰”。
顾恺之学画师从卫协，最善于图画人物，东晋的大名士谢安认为顾恺之的人物画是前无古人的。后人评论其画：意存笔先，画尽意在，笔迹周密，紧劲连绵；其笔法如春蚕吐丝，轻盈流畅，遒劲爽利，称为“铁线描”；造型布局六法俱全，运思精微，襟灵莫测。与师承他的南朝宋陆探微、梁张僧繇，并称“六朝三杰”。而“像人之美，张得其肉，陆得其骨，顾得其神，神妙无方，以顾为最”。与陆探微合称“顾陆”，称为“密体”画派，以区别于南朝梁张僧繇、唐吴道子的“疏体”画派。
画迹有《秋江晴嶂图》、《庐山图》、《雪霁望五老峰图》等名作，其中《雪霁望五老峰图》被推崇为山水画开创之作。现存《女史箴图》、《洛神赋图》、《列女仁智图》均为唐宋人摹本。
《洛神赋图》是一幅以曹植的著名诗篇《洛神赋》为题材的巨幅绢本着色画卷。这幅北宋摹本，绢本，水墨着色的画作，纵27厘米、横572厘米。曹植是曹操的次子，他和哥哥曹丕一同跟随曹操破袁绍时得到了甄氏女子。然而，曹植深爱甄氏，可曹操却把甄氏许配给了曹丕。曹植在一次朝见中得知甄氏已经去世，心情极度沉重。他在回家的路上路过洛水，更加激起了他对甄氏的思念之情。追想宋玉所讲的神女故事，曹植写下了叙事赋《感甄赋》，后来被魏明帝改名为《洛神赋》。这篇赋表达了曹植在爱情生活中的感伤情绪，是我国古典文学中非常有名的一篇韵文。顾恺之以此赋为题材，创作了《洛神赋图》。
顾恺之的绘画巧妙地将诗人的幻想形象化，尤其是他对洛神的描绘，让她多次出现在水面上，手持麈尾，衣带飘飘，动态委婉从容。这种可望而不可及的无限惆怅的情境将洛神的美丽和神秘感完美地表现出来。曹植则头戴梁冠，身穿宽袍大袖，在华盖下随从者的簇拥下，展现了一个贵族诗人的高雅风度。这些都是顾恺之艺术中的独特之处。
这幅画展现出洛神的美丽和光彩，同时也描绘了她与曹植之间若即若离的关系。画面上，曹植身穿红色长衣，坐在洛水边，背后站着三名侍者手持宫扇，另外两名侍者手捧诗书。曹植对洛神表露出深深的爱慕之情，而洛神则穿着奇异的服饰，犹如惊鸿翩跹，仿佛游龙般婉转多姿，荣耀如秋菊，华茂如春松。她梳着高高的云髻，手持麈尾，望着曹植，带着依恋的神情，好似两人正在相互交流。
美术的读书笔记12
这本书西方艺术的形式与特征等的发展史，其中心问题是美对于人类生活和人类历史的价值和意义。另外，西方美学与西方的哲学，文化艺术的发展密切相关。对美学，哲学是关于一切美学问题的最基础的思考，具有元美学的性质。对美学问题的研究有利于加深和丰富对西方哲学的理解。西方历史上的文学艺术作品是许多美学思想的源泉。
说起西方美术，我好像走进到了另一个新天地，与中国美术形式意境完全不同的另一番感受。在兴趣盎然中,乔托的觉醒,波提切利的韵昧,达芬奇的智慧,米开朗基罗的激愤,拉斐尔的优雅,乔尔乔内的建树,提香的追求和丁托列托的视角,感受布勒格尔的气质,丢勒的才情,普桑的力度,华托的情调,大卫的理想,安格尔的柔美,德拉克罗瓦的激情和莫奈的光影，深深吸引着我。另外，西方艺术流派及艺术形式多种多样：华丽激情的巴洛克艺术；古典优雅的学院派；充满生活情趣阳光的荷兰小画派；夸张扭曲的折衷主义；真实和谐的写实主义；抽象豪放的野兽派；具有戏谑和象征意义的超现实主义??
书的第一部分讲的是古埃及希腊罗马美学。提起埃及，人们首先想起的是金字塔。金字塔是古埃及卓越的`建筑艺术，它是法老王们的陵墓。对于金子塔的美丽和雄伟我不多说，在课上学到的最令我印象深刻的是埃及的雕刻、绘画艺术。从那些作品我们可以看到，埃及人的灿烂文化以及他们对“秩序”的狂热追求，绘画的比例，外形都奇异的保持一致，宏伟的雕像现在虽然有好多残缺，但仍能感受到那埃及的辉煌文明！
古希腊的美学思想是在其哲学，艺术，宗教，文化的土壤中产生的。超凡入圣的艺术，古希腊与古罗马。罗马人在相当长的时间里直接根据面具制作肖像雕塑。后来古罗马肖像雕塑的美学追求在于求真美，这同古希腊的宁静、理想化的完美迥然不同，这种特征趋向于个人意志的创造，表现出敢于参与世事争胜的气概。 它是希腊文化的继承者和发扬者，伟大的罗马，璀璨的希腊！充满神话的希腊，雅典卫城，巴特农神庙，这些美丽的地方都给我们不一样的视觉享受。虽然没有在幻灯上看到十几米高的雅典娜塑像，但是可以想象那是怎样的宏伟美丽。充满了神圣，梦幻般的感觉！这些都给我从新认识了希腊的文化，对希腊的建筑也有了一些了解。
最后另我印象深刻的就是文艺复兴时期的两大天才——达芬奇与米开朗基罗，纪录片记录了他们的生平种种，让我们了解了天才成功的不易与艰辛。时代造就了他们，他们也成就了时代！他们值得我们现在每一个学生去学习，为之理想而奋斗，因为他们告诉我们，艺术是门伟大的科学！终求一生，值得为之奉献，为之探索！
它介绍了几种最早形态的美学思想。塔塔凯维奇认为美学思想最早包含在艺术之中；鲍桑葵认为人类的审美意识产生于原始宗教向哲学的过渡阶段；吉尔伯特和库恩认为哲学孕育了美学。综合几位美术家的观点，早期希腊的美学思想是蕴含在宗教，艺术，和哲学当中的。这几种观点的分歧是美学本身是什么，美学与哲学的关系是什么。由此可见，美学不仅仅是哲学的一个分支，他们之间还有更复杂的关系。要理解他们的关系，我想必须要通过深入的学习和探究。
美术的读书笔记13
“艺术来源于生活”,生活中处处都有美的存在,要唤醒学生对艺术的兴趣,必须让他们感受到美术的魅力。
艺术教育的内涵是广泛的，在艺术教学中,我们不能停留在学校里，停留在固有的书本知识上。要大胆鼓励学生善于观察、善于思考,及时把自己看到的、想到的画下来,在原有画面的基础上加以创新。通过观察、思考把这些生活中随处可见的东西融入到美术作品中来,培养学生观察生活,认识到美处处存在。我们要从学生的长远发展出发,去巧妙地,耐心地,愉快地激发,使学生用真实的心灵去感受、描绘。
新课程注重培养学生的创新意识和时间能力，而创新性思维是学生创新的基石。其它课堂教学中，老师们都很注意在课堂上激发学生创新性思维的火花，创设适合创新性思维的情境，鼓励学生展开想象，发散思维，学生的思维呈现出开放、多样的特征。
美术是一门实践性很强的学科，所以在课程讲授时理论联系实际是非常重要的。以前只在教室中讲授理论，最多再辅助一些模型示范教学，这样虽然也可以完成教学任务学生也可以学到一些知识，但总是积极性不高，课堂气氛调动不起来，理论和实践是硬币的两面，联系不起来。学了理论在实际中用不上。
针对这样的问题，我在上课时引导学生在自然环境中讲解手绘图像，在实践中教学，为学生设立情景，让学生体会大自然给人带来的视觉的艺术美感，更能激发学生的兴趣爱好。感受娱乐之中的快乐，陶冶了学生的情感。与学生一起互动，实践教学增强学生的兴趣，培养学生的情感。
在对风景的讲解中，使学生学到了运用速写的方法绘画风景画，学会了如何取景构图，了解近景、中景、远景的虚实关系。抓住了事物的结构特征进行描绘。教师通过运用在真实景中绘画，提高学生的绘画兴趣，感受大自然的美，陶冶了学生的情操。
美术是一门特别的学科，它能让学生学到绘画与制作的本领;能培养学生的综合能力，发挥学生在各个方面的才华;如今的美术课不再是以前那样，教师在上面画，学生在下面画;素质教育已进入美术教学，在课堂中以发展学生为本，使学生成为学习的主人;在作业过程中，更注重学生在学习过程中的探究，让学生学得轻松，学得快乐。美术课堂就好像一个乐园，让学生乐在其中。
美术课要想上好，还真不是那么容易，课前的精心准备，课堂的情景创设、环节安排、个性辅导、多样评价以及课后的反思等等一样都不可少，都需要美术老师下功夫来思考、推敲。
美术教育的终极目的是为了学生的人格的健全，素质的提高，并非光是技能技巧的掌握和赏心悦目的作业，即要学生在玩中有所学，更要让学生在玩中有所得，这里的“得”应是影响学生一生的良好品德和习惯等。在潜移默化中形成美化环境，美化生活的良好习惯;在收拾整理中形成良好的卫生习惯等。
另外，以往和当前的美术教育，由于单一偏向绘画或工艺课的教学，还有许多方面不能适应素质教育要求的地方，特别是还有许多阻碍学生创新精神和实践能力发展的因素存在：
1、教学内容过于单一、审美视野狭窄、远离儿童的生活经验。
偏向于写生编成的“图画本”，主要从写生的角度、以成人的审美目光去考虑内容的编排，其缺点是审美视野狭窄，远离儿童的生活经验。偏向于想象编成的美术教材，展现了一定程度上儿童的生活世界，但仅以同龄儿童作品的呈现来启发儿童学习美术，也只能使儿童的审美水准停留在比较低的层次。无论是偏向于写生构成的“图画本”，还是偏向于想象编成的美术教材，都抑制学生创新能力的可持续发展。
2、学生体验活动不足，课堂教学方式单一。
偏向于写生或想象的课堂教学，“纯写生教学法”强调学生以眼观察为主来对现实世界进行真实性地描绘，该教学法项目重于理性的分析和概括，难度大、枯燥，不利于儿童美术兴趣的养成;“纯想象教学法”强调学生用脑思考来表现幻想状态的图式。该教学法偏向于低层次的思维诱导，对现实生活的认识比较贫乏，对高层审美文化更是较少触及。
因此，这样的想象活动的根基是不扎实的，脱离生活实际，不利于创新意识的发展。无论是“纯写生教学法”与“纯想象教学法”，从而割裂美术文化本有的多元形态，最终往往会因学生感官缺乏足够的参与，而致使学生因缺少相应的`文化支撑而无法得到很好的建立，更谈不上什么实践能力的培养。
3、兴趣活动空间狭窄，作品的创造性存在明显的局限。
传统的美术教学受图画课、美术专业课的影响，许多教师对“美术”这个概念缺乏思考与理解，从而导致一部分教师在辅导之中只注重客观对象的描绘或脱离实际生活的想象绘画，致使学生从小就形成依葫芦画瓢或胡乱想象涂抹的不良学习习惯。
偶尔或许有几件令老师看了比较满意的作品，但由于创作时学生缺乏对生活主动的多元体验，作品中使人产生此画非童画的感觉，美术创作脱离了学生生活经验和实际，不利于学生创新能力的培养，从长远看肯定是相当有害的。看来，如何从“纯写生教学法”与“纯想象教学法”的单一美术教育中走出来，构建一个有利于学生趣味学习美术的审美教育理论框架，并在教材内容、课堂教学、兴趣辅导上找到一条行之有效的操作途径，已成为当前美术教育中急待解决的问题。
对此，近几年许多美术教育工作者，积极引进启发式教育、愉快教育、情感教育、体验教学以及成功教学法等的相关原理，在某些领域里作了许多探索与尝试，并获得了不少富有建设性的成果，为美术教育的新发展注入了活力。但由于许多研究缺乏儿童美术学习方式的足够考虑，且深受“纯写生教学法”与 “纯想象教学法”等教学方式的影响，因此，目前美术教学还未能找到一种较能体现现代小学美术学科特点，反映儿童审美心理发展且行之有效的教学方式。我们认为小学美术“趣味教学法”对于弥补传统美术教育的弊端以及吸收当前美术教育中的优秀成果是一个很好的结合点、切入点，对于激发学生美术兴趣，开发学生思维，提高审美能力，以及培养创新精神和实践能力方面有着十分重要的作用。
美术的读书笔记14
今天，精读《给老师的建议》一书中“没有也不可能有抽象的学生”一篇。我想用一个词语概括心中的感受，怎奈翻遍脑中所有的词汇，竟找不出哪一个词可以淋漓尽致的表达我的敬佩之情。语言有时候就是如此的苍白无力。
整篇文章使我最难忘的是这样一句话：“如果学生没有在掌握知识的道路上前进哪怕是很小的一步，那么这堂课对他来说就是白费了。无效劳动——这大概是学生和老师可能遇到的莫大的严重危险。”是啊，想想自己平时的课堂，照顾到每一个学生的发展了吗？自己总是在用一个标准来要求无论从认知还是心理上都不一样的孩子。更另人无法容忍的是，当一个认知能力稍差的孩子没有达到自己所谓的标准的时候，自己更是像民工工头一样，以冷冰冰的白眼相加。自己虽然从某种程度上得到了发泄，可是，可是，我可怜的孩子呢？那时候你们是什么感受？老师对不起你们啊！
我又想到了平时的公开课，为了课堂结构的紧凑和学习的深度，在制定学习目标的时候眼里总是那一部分好学生，对于学困生来说，这不是一架可望而不可及的天梯吗？那些被我遗忘的孩子们啊，你们站在底下是怎样无奈的抬头望啊。
美国的教育家杜威，他在《民主主义与教育》中强调：“我们学校老师规定给学生的学习任务，应该是他们易于达到的，不应该是高不可攀的，是呈阶梯状的。要让儿童一步一步去实现，并能从中得到收获与乐趣。做到“教育随时都是自己的报酬。”
是的，以后无论在什么时候，我不再指定统一的目标让不同的孩子去达到。我将动脑思考，怎样设法让每一个学生在课堂上都在进行脑力劳动！让孩子切身感受到进步的乐趣，感受到学习的乐趣，哪怕他们的进步是微小的。
美术教师读书笔记5
最近读了《中国教师最需要的新理念》这本书，书中谈到了“教育要强调个性，健全人格”，并且理论联系案例深入浅出的进行了探讨，作为一名美术教师，我深有感触。
英国教育家斯宾塞曾说：“教育的目的是培养人的个性。”伟大的德国诗人歌德也曾说“一棵树上很难找到形状完全一样的叶子，一千个人中也很难找到两个在情感上完全协调的人。”这说明个性是一种客观存在，是一种价值，世界的丰富多彩、人类的千姿百态也正源于此。
学生在美术活动中比在其他教育活动中能更大程度地张扬和展现自己的个性。因为美术课程是一种综合性、活动性强且活动结果无对错之分的课程。在这种以美的熏陶为主的活动中，学生的个性得以全面自然地释放；性格、气质、情感得以自然流露；手、眼、脑得以协调发展，沟通了其物质层面与观念层面的关系，促进了个性的内化和健康发展，同时提高了学生的能力、智力、人生观和情感价值观等综合素质。因此，在美术课堂中引导学生形成社会共同价值观的同时，也应努力尊重、保持和发展学生的个性。要培养学生独特的个性，就是要使学生的个性得到自由的发展，增强他们的主体意识，形成开拓精神、创造才能，提高其个人价值。因此，我们的教育就要具有个性化，就要在教育过程中重视受教育者的需要、兴趣、创造和自由，尊重人的尊严、人的潜能。在教学中通过情感的渗透、传达和激发学生的创造力，来实现学生的个性发展，促进人的个性自主和谐发展。
（一）在教学情境中促进学生的个性发展
教师是创设情境的主导者和调控者，通过各种方式、手段，有意设置一定的'情境氛围，让学生产生激情，主动参与，释放激情，在这一过程中，激发学生的个性化探究欲望、创造欲望，从而促进学生的个性形成。
（二）在教学内容中促进学生的个性发展
教师要灵活地掌握课程的内容，可根据学生的具体情况，从学生的生活、兴趣出发，选择一些具有时代气息的知识内容，深入浅出，激发学生的学习兴趣，使学生主动参与，施展自我的个性魅力。
（三）在教学活动中促进学生的个性发展
开拓思维、综合的运用多种材质，充分发挥学生的自由表现力，促进个性的形成。采用集体合作的方式，加强相互间的交流，增强体验，培养团结协作精神，张显其个性。鼓励想象，求异创新，画画要画出个性。
从美学的角度来说，风格，是指美术作品显示出的一种格调和气派。艺术风格，是艺术作品整体上呈现出来的独特面貌。它和人的风度一样，不仅具有独特的外形特点，而且还显示出内在的精神气质。艺术作品显示的是艺术家的个性。是个人风格。所以，个人风格就是艺术家在作品中呈现出的有别他人的独特个性。独特性，又是艺术家的鲜明个性的显现，也是艺术家创造精神的表现。这种独特性是艺术家观察事物的一种独特视角和艺术表现的独特技巧在长时间的艺术创作活动中所形成的。中国书法里的“颜筋柳骨”，就是说唐代书法家颜真卿、柳公权两个人楷书不同的个人风格——颜体丰腴、柳体瘦劲。在中国的美术欣赏中，常以“雄伟、秀丽、豪放、典雅、古拙、飘逸、沉着、奇险、质朴、空灵、浓艳、淡雅、苍老、稚拙、缜密、疏野、高古清新、率真、自然、平淡等词语来欣赏、评价不同的个人风格”。所以，我们要在长时间的教学实践当中，不断的培养学生的个性。尤其是在创作的过程中，要引导学生画出个性来。
我们通过以上的教学活动，一定会使学生在长期的学习过程中，对美术产生浓厚的兴趣。在实际生活中领悟美术的独特价值，明确一个良好的学习流程，即：构思──选择制作材料──学习、运用不同的创作形式、技法、进行大胆、自由表现──个性化风格形成。这样，学生能够找到适合展示自我独特个性的艺术语言，培养学生对于审美的个性情感，最终成为一个具有独特艺术个性、独特审美修养的人。
美术的读书笔记15
听说此书写得不错，值得去看一看，《美术学科教育学》读书笔记。我当时听了不以为然，因为印象中诸如教科书之类大多枯燥乏味，难有激发人的读书欲，何况此书“貌不惊人”。学习归来，顺手把书往书架上一放，时间长了，也就渐渐淡忘了……
直到在备课查找资料时发现了这本《美术学科教育学》。所谓“用到书时方恨少”，因为需要，所以看得格外认真细致。先是整体刘览一遍，感觉挺好，再逐章逐节地看。慢慢地，我被吸引了。他以严谨的逻辑层次、准确的概念界定、融合时代性的教育观、艺术观，系统而又全面地阐述了美术学科教育学。无论是学科教育的本质、特点、功能、目的，还是学科教育原理、教学原则、教学方法、教学模式、教学评价等等，作者都一一展开探讨，逐层分析，层层深入。同时运用大量的实例图片，相关数据加以说明，做到图文并茂。使读者“观之有肉，食之有味”。
如果问：书中哪些地方让我印象比较深刻？我觉得对美术教育功能目的的阐述和美术教学方法的分析，感触是最深的。因为前者使我全面认识和了解了美术教育的功能和意义，树立起科学的`教育观；后者使我明了灵活多变、寓教于乐的教学方法是完成教学任务和提高教学质量的关键。二者相辅相成，密不可分。
拿美术教育的功能目的来说，很多人对它的认识还停留在比较肤浅的表层阶段。认为教学中只要落实美术知识的传递和技能技巧的传授便可，对其潜在的“附加值”往往忽视或者不善挖掘。常先生在书中特别强调指出：美术教育功能是多方面的，是综合性的。它可以拓展学生的学识视野，丰富其知识领域；促进学生全面发展，培养其创新精神和创造能力；促进人格优秀特征的个性发展，读书笔记大全《《美术学科教育学》读书笔记》。此外，美术教学应确立体现素质教育，以人发展为本的教育目标。任何单项价值取向的教育目标，都不符合现代教育观念，不能充分体现美术学科的教育价值。可见，美术教育的功能是多元化的，作为美术教师对自己执教的学科有一个系统正确的认识是多么重要！
“教有法又无定法”，教学方法是教学过程中教师的“教”与学生的“学”相结合的双向活动的体现。在日常教学工作中，我比较注重教法的选择与设计，对学生的“学法”往往考虑得不多。通过阅读“教学方法”这一章节，加深了我对学生“学法”的认识。比如演示法，对学生的学法要求如下：
1、按讲授思路注意观看演示；
2、模仿、记忆地看；
3、理解、审美地看；
4、观摩汲取地看。
简要的几句话，道出了“看”的契机，解决了授课过程中如何引导学生学会看、怎么样看的难题。可见，教师的教法与学生的学法是互为一体的。教师的教法必须适应学生的认知规律、思维规律，与学生的学法契合。只有这样，才能使学生学得积极主动，才能学有所得。
“美术学科教育的关键是美术老师”。在本书的最后，作者从业务文化素质、教师能力、心理品质三方面提出要求。呼唤所有从事美术教育的老师们要树立终身学习的观念，做到博采众长，“一专多能”。不断完善自己，超越自我，成为社会和时代发展需要的新型教育者。
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